Como parte de los estudios de teatro contemporáneo, que se hacen en el cuarto año de la Licenciatura en Actuación de la Escuela Nacional de Arte Teatral de México, hemos pensado en la pertinencia de un blog como este. Un sitio dinámico, abierto a la participación de estudiantes y académicos. Bienvenidos, confiamos que resulte de su interés y anime sus ganas de colaborar.
jueves, 1 de diciembre de 2011
Actividad para el grupo 4-1
De acuerdo a los contenidos vistos en el curso de teatro contemporáneo, publica un breve comentario sobre esta escenificación de Bob Wilson, del soneto 66 de Shakespeare.
No hay que olvidar el crédito del músico que compuso las canciones de la escenificación: Rufus Wainwright.
Terror,belleza lúgubre y frialdad es lo que observo en los detalles de vestuario y de los decorados surrealistas de la puesta, que se transforman en un cuadro pictórico y escénico; pesonajes tipo que me remontan a la Commedia dell'Arte. El tiempo parece no transcurrir en el espacio. Un minucioso trabajo de pequeños gestos corporales y faciales que permiten comprender la acción del personaje, el contacto emotivo, e imaginar la posible relación entre ellos, y de ellos con el espacio. La música tétrica, grave y melancólica le dan un mayor peso emotivo al lenguaje de los actores.El contacto de actor - espectador se da en disposición frontal, rompiendo la cuarta pared, y triangulando las acciones con el público como suele pasar en la ópera.
Eso, exacto. A mi me llama mucho la atención, me gusta la estética, la música: la idea de musicalizar el soneto. El tiempo cobra mucha importancia en esta escenificación. Me resulta interesante cómo, a pesar de no ser nada, realmente virtuoso, (como los videos de sketches del Cirque Du Soleil que vimos), resulta ser muy interesante y llamativo. La precisión de los gestos, de las acciones y el escenario, dan una atmósfera interesante.
Me parece muy interesante el estatismo que maneja, de la mano con el minimalismo del concepto de puesta en escena, pocos elementos pero los justos para cumplir el objetivo.
Me resulta muy interesante la ambiguedad(no pude poner las dieresis)que se maneja en el género de los personajes, un tanto andróginos pero sin saber bien a bien que son...
Poca luz (mismo caso de la escenografía) pero simplemente la necesaria para ambientar la escena.
El maquillaje me parece estupendo, y ayuda mucho a que con pequeños gestos parezcan acciones por demás grandilocuentes, además de la excelente interpretación y manejo de kbjetos que le da congruencia y uniformidad al número.
Este soneto no sólo ha sido traducido al alemán, tambíen ha sido contemporaneizado a partir de la mitad, para que junto con los personajes, la escenografía y la utilería, todos símbolos reconocibles, jueguen para conformar un nuevo discurso altamente sensual.
Tir’d with all these, fro, these would I be gone, Save that, to die, I leave my love alone.
Es un trabajo muy limpio y cuidado, desde lo escenográfico, lo verbal, lo musical, la parte de vestuario e interpretación.
La música resulta completamente dramática, no es música de fondo, no es una canción de relleno, es música que aporta dramáticamente a historia y expresa; con una interpretación limpia y precisa.
El simbolismo del árbol, la manzana y la serpiente son sumamente potentes. El foco que le hacen a los juegos con los pies, la síntesis de las acciones, pues aquí todo movimiento es muy rico y sustentado.
Es un excelente ejemplo de lo que debería tener a mi parecer todas las obras: sólo lo necesario e indispensable, potente, limpio y preciso. Y obviamente que todo lo que este en escena sea un aporte al drama y a la acción.
Con pocas huellas del naturalismo propuesto alguna vez por los textos de Strindberg,nos tranporta al universo dónde la puesta tiene más que decir que el mismo dramaurgo, dónde los elementos son claves para el espectador, y no sólo aderezan el conjunto. Ritmo, tiempo y Corporalidad, acompañan a los actores durante todo el soneto, que rompe los limites de la reprsentacíón escénica.
Creo que uno de los objetivos del teatro contemporáneo al igual que los directores contemporáneos, es por una parte, no olvidar las obras maestras e importantes a lo largo de la historia del teatro, pero también, como rescatarlas sin que el espectador las sientas lejanas a su contexto y a su entendimiento.
Al leer los sonetos de Shakespear, podemos reconocernos en ellos, en los sentimientos que son expresados, que apesar de la época, no cambian y la gente sigue teniendo los mismos sentimientos universales, pero creo que lo que llega a cambiar es cómo estos sonetos son compartidos al público actual sin que ellos se sientan aburridos y sin ningúna conexión con ellos. Creo que el impacto visual y de producción(aunque no sea la más grande y espetacular) cumple con el objetivo de llamar al público, pero no solo se queda en un espectáculo visual, si no, a mi parecer, esta manera de presentarlos es una herramienta para lograr que el público se conecte con esa naturaleza humana, que incluye sentimientos, reacciones, intenciones, etc.... Todo cumple con lo presentado, los personajes, el vestuario, el espacio que no siempre esta definido, y aunque existan brincos espaciales y temporales, el espectador no necesita una manera lógica y cronológica de esto, ya que el soneto y los personajes como son expuestos hacen que esto no sea de tanta importancia, es decir, no importa una estructura Aristotélica para que el espectador pueda entender y dejarse tocar por lo que esta viendo.
El lado opuesto a Grotowski. Está ponderado lo visual, y tal como la idea que fundó Craig en la dirección teatral; el actor es un elemento más de la puesta en escena, la significación se encuentra repartida. Me llama la atención el contraste entre la magnitud de la propuesta plástica y el minimalismo en las acciones y movimientos. Podemos observar un espectáculo complejo que involucra un virtuosismo en diferentes artes. Hay una ausencia de la palabra hablada, pareciera que la actoralidad queda a un lado, que el carácter de los personajes está dado por el maquillaje y vestuario, pero aún así existe un manejo tan exacto y limpio, como cada elemento incluido en la escena, del gesto, la intención y la actoralidad que me hace ver a actores.
No hay que olvidar el crédito del músico que compuso las canciones de la escenificación: Rufus Wainwright.
ResponderEliminarTerror,belleza lúgubre y frialdad es lo que observo en los detalles de vestuario y de los decorados surrealistas de la puesta, que se transforman en un cuadro pictórico y escénico; pesonajes tipo que me remontan a la Commedia dell'Arte. El tiempo parece no transcurrir en el espacio. Un minucioso trabajo de pequeños gestos corporales y faciales que permiten comprender la acción del personaje, el contacto emotivo, e imaginar la posible relación entre ellos, y de ellos con el espacio. La música tétrica, grave y melancólica le dan un mayor peso emotivo al lenguaje de los actores.El contacto de actor - espectador se da en disposición frontal, rompiendo la cuarta pared, y triangulando las acciones con el público como suele pasar en la ópera.
Eso, exacto. A mi me llama mucho la atención, me gusta la estética, la música: la idea de musicalizar el soneto.
ResponderEliminarEl tiempo cobra mucha importancia en esta escenificación. Me resulta interesante cómo, a pesar de no ser nada, realmente virtuoso, (como los videos de sketches del Cirque Du Soleil que vimos), resulta ser muy interesante y llamativo.
La precisión de los gestos, de las acciones y el escenario, dan una atmósfera interesante.
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ResponderEliminarMe parece muy interesante el estatismo que maneja, de la mano con el minimalismo del concepto de puesta en escena, pocos elementos pero los justos para cumplir el objetivo.
ResponderEliminarMe resulta muy interesante la ambiguedad(no pude poner las dieresis)que se maneja en el género de los personajes, un tanto andróginos pero sin saber bien a bien que son...
Poca luz (mismo caso de la escenografía) pero simplemente la necesaria para ambientar la escena.
El maquillaje me parece estupendo, y ayuda mucho a que con pequeños gestos parezcan acciones por demás grandilocuentes, además de la excelente interpretación y manejo de kbjetos que le da congruencia y uniformidad al número.
Este soneto no sólo ha sido traducido al alemán, tambíen ha sido contemporaneizado a partir de la mitad, para que junto con los personajes, la escenografía y la utilería, todos símbolos reconocibles, jueguen para conformar un nuevo discurso altamente sensual.
ResponderEliminarTir’d with all these, fro, these would I be gone,
Save that, to die, I leave my love alone.
Es un trabajo muy limpio y cuidado, desde lo escenográfico, lo verbal, lo musical, la parte de vestuario e interpretación.
ResponderEliminarLa música resulta completamente dramática, no es música de fondo, no es una canción de relleno, es música que aporta dramáticamente a historia y expresa; con una interpretación limpia y precisa.
El simbolismo del árbol, la manzana y la serpiente son sumamente potentes. El foco que le hacen a los juegos con los pies, la síntesis de las acciones, pues aquí todo movimiento es muy rico y sustentado.
Es un excelente ejemplo de lo que debería tener a mi parecer todas las obras: sólo lo necesario e indispensable, potente, limpio y preciso. Y obviamente que todo lo que este en escena sea un aporte al drama y a la acción.
Con pocas huellas del naturalismo propuesto alguna vez por los textos de Strindberg,nos tranporta al universo dónde la puesta tiene más que decir que el mismo dramaurgo, dónde los elementos son claves para el espectador, y no sólo aderezan el conjunto.
ResponderEliminarRitmo, tiempo y Corporalidad, acompañan a los actores durante todo el soneto, que rompe los limites de la reprsentacíón escénica.
Creo que uno de los objetivos del teatro contemporáneo al igual que los directores contemporáneos, es por una parte, no olvidar las obras maestras e importantes a lo largo de la historia del teatro, pero también, como rescatarlas sin que el espectador las sientas lejanas a su contexto y a su entendimiento.
ResponderEliminarAl leer los sonetos de Shakespear, podemos reconocernos en ellos, en los sentimientos que son expresados, que apesar de la época, no cambian y la gente sigue teniendo los mismos sentimientos universales, pero creo que lo que llega a cambiar es cómo estos sonetos son compartidos al público actual sin que ellos se sientan aburridos y sin ningúna conexión con ellos.
Creo que el impacto visual y de producción(aunque no sea la más grande y espetacular) cumple con el objetivo de llamar al público, pero no solo se queda en un espectáculo visual, si no, a mi parecer, esta manera de presentarlos es una herramienta para lograr que el público se conecte con esa naturaleza humana, que incluye sentimientos, reacciones, intenciones, etc....
Todo cumple con lo presentado, los personajes, el vestuario, el espacio que no siempre esta definido, y aunque existan brincos espaciales y temporales, el espectador no necesita una manera lógica y cronológica de esto, ya que el soneto y los personajes como son expuestos hacen que esto no sea de tanta importancia, es decir, no importa una estructura Aristotélica para que el espectador pueda entender y dejarse tocar por lo que esta viendo.
Atentamente. Ma. Fernanda Vergara Torres
El lado opuesto a Grotowski. Está ponderado lo visual, y tal como la idea que fundó Craig en la dirección teatral; el actor es un elemento más de la puesta en escena, la significación se encuentra repartida.
ResponderEliminarMe llama la atención el contraste entre la magnitud de la propuesta plástica y el minimalismo en las acciones y movimientos.
Podemos observar un espectáculo complejo que involucra un virtuosismo en diferentes artes.
Hay una ausencia de la palabra hablada, pareciera que la actoralidad queda a un lado, que el carácter de los personajes está dado por el maquillaje y vestuario, pero aún así existe un manejo tan exacto y limpio, como cada elemento incluido en la escena, del gesto, la intención y la actoralidad que me hace ver a actores.